STEVEN SODERBERGH

Nació el 14 de enero de 1963 en Atlanta, Georgia (Estados Unidos). Director, guionista, editor, fotógrafo y productor estadounidense, Steven Soderbergh nació en Atlanta pero creció en la localidad californiana de Baton Rouge, en donde su padre ocupaba el puesto de decano y profesor de la universidad Louisiana State, centro al cual Steven acudió durante un tiempo en su época de instituto, asistiendo a clases de animación.
En su adolescencia Soderbergh comenzó a rodar sus primeras películas en Super 8, antes de trasladarse a Hollywood para intentar sin mucho éxito ingresar en la industria cinematográfica como montador. Su futuro como cineasta comenzó a vislumbrarse cuando fue contratado para filmar un concierto del grupo Yes en “Yes: 9012 Live” (1986), documental que consiguió una nominación a los premios Grammy.

Steven debutó como autor cinematográfico con el cortometraje “Winston” (1987), preludio de su primer largo independiente, “Sexo, mentiras y cintas de video” (1989), un drama psicológico y erótico que cosechó un notorio recibimiento en el Festival de Cannes, consiguiendo la Palma de Oro al mejor film. Spader también sería galardonado como mejor actor. Soderbergh también fue nominado a los premios Oscar como mejor guionista. Su siguiente película, protagonizada por Jeremy Irons, fue “Kafka, la verdad oculta” (1991), un film que volvió a ser editado, como el previo, por el propio director de Georgia.

El recibimiento a este título fue bastante templado, al igual que “El rey de la colina” (1993), adaptación de la novela de A. E. Hotchner, “Underneath: Bajos fondos” (1995), título negro que llevaba a la pantalla un libro de Don Tracy, “Gray’s Anatomy” (1996), cinta que exhibía un monólogo de Spalding Gray, y “Schizopolis” (1996), sátira protagonizada por el propio Soderbergh que le devolvía a sus cánones más independientes. En este último film aparecía su ex esposa, la actriz Betsy Brantley, con quien tuvo una hija llamada Sarah en 1990. El mismo año de “El rey de la colina”, Steven dirigía un episodio de la serie de televisión “Fallen Angels”, producida por Sydney Pollack.

“Un romance muy peligroso” (1998), con producción de Danny DeVito, recuperaba comercialmente a su autor, quien adaptaba una novela de Elmore Leonard con el protagonismo de Jennifer Lopez y George Clooney. El film recibió dos nominaciones a los Oscar, una por el guión de Scott Frank y otra por el montaje de Anne V. Coates. La década de los 90 se cerró para Steven Soderbergh, tras escribir el guión de “La sombra de la noche” (1997) de Ole Bornedal y producir “Pleasantville” (1998) de Gary Ross, con “El halcón inglés” (1999), una película de ambiente criminal escrita por Lem Dobbs y protagonizada por Terence Stamp y Peter Fonda. El año 2000 fue uno de los más importantes de su carrera y el salto definitivo del autor independiente al mainstream gracias al éxito de “Erin Brockovich”, drama protagonizado por Julia Roberts, y “Traffic” (2000), thriller centrado el tráfico de drogas con Benicio del Toro y Michael Douglas.

Por “Erin Brokovich” Soderbergh lograría una nominación de la Academia de Hollywood como mejor director, optando también al premio a la mejor película. Julia Roberts conseguiría el Oscar como mejor actriz.
Por “Traffic” el director de Atlanta ganaría el Oscar al mejor director, estatuilla que también consiguió Stephen Gaghan por su guión, Benicio del Toro por su interpretación y Stephen Mirrione por su montaje.
Posteriormente rodó, con un reparto multiestelar, “Ocean’s Eleven” (2001), un remake de “La cuadrilla de los once” que resultó muy rentable a nivel comercial, “Full Frontal” (2002), fallido film de tipo experimental, y “Solaris” (2002), una nueva versión del libro de Stanislaw Lem producida por James Cameron que ya había llevado a la pantalla con anterioridad Andrei Tarkovsky.

En este período Soderbergh también produjo títulos como “Lejos del cielo” (2002) de Todd Haynes, “Insomnio” (2002) de Christopher Nolan o “Confesiones de una mente peligrosa” (2002), film dirigido por su buen amigo George Clooney, con quien también crearía la serie de televisión “K Street” (2003). En el año 2003 Steven Soderbergh se casaría con la modelo y actriz Jules Asner, con quien había iniciado una relación sentimental dos años antes de su boda. Algunas de sus últimas películas son la secuela “Ocean’s Twelve” (2004), "Bubble" (2005), título criminal ambientado en una fábrica de muñecas, y "El buen alemán" (2006), thriller ambientado en el Berlín post-bélico.

En "Che, el argentino" (2008) llevaba a la pantalla la vida del conocido guerrillero sudamericano encarnado en el film por Benicio del Toro. En "El Soplón" (2009) contaba la historia de Mark Whitacre, un ejecutivo de una empresa agrícola que decide contar al FBI las prácticas ilegales de su compañía. http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2241.html Naqoyqatsi: del lenguaje Hopi. Significa "mundo en guerra"; "vida llena de asesinatos mutuos"; "guerra como medio de vida"; "violencia civilizada". En este último film de la Trilogía Qatsi se hace un repaso a cómo los conflictos bélicos de la humanidad y la incipiente tecnología están transformando el mundo más que ningún cataclismo natural, y cómo el ser humano ha pasado de considerar estos avances como un instrumento al servicio de la sociedad a considerarlos un fin y un medio de vida en sí mismos. Sinopsis tomada de: http://www.cineol.net/pelicula/5339_Naqoyqatsi

ORIGEN DEL CINE

SERGEI EISENSTEIN

Nació en Riga,  23 de enero de 1898  fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstein, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Luego de una larga investigación en el tema, Eisenstéin desarrolló su propia teoría del montaje.

Eisenstein no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.

Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos.

Pero será su siguiente película, El acorazado Potemkin, la que dará a conocer su nombre en todo el mundo, y es posiblemente la película sobre la que más se ha escrito en toda la historia del cine. Según Eisenstein, el guión de la película, de Nina Agadzhánova-Shutkó, fue escrito para una película en ocho episodios, 1905, que comenzó a rodarse en Leningrado y pensaba relatar los sucesos de la huelga general. Tuvieron que abandonar el rodaje por el mal tiempo, y se dirigieron a Odesa a rodar el capítulo dedicado al motín del Potemkin. Decidió entonces Eisenstein centrar la película en ese episodio, y se abandonó su proyecto de 1905.

Cuando llegaron a Odesa, buscó a los supervivientes de la masacre, e incluso localizó los dibujos de un francés que había sido testigo de lo ocurrido. Reescribió el guión y realizó diversos títulos para dirigir la acción. Aunque los medios eran pocos, gracias a una serie de experimentos técnicos obtuvieron resultados asombrosos: pantallas reflectantes, fotografía desenfocada, plataformas móviles entre otros.

Eisenstein erige su película en 1.290 planos, combinados con genial maestría mediante un montaje rítmico. Los movimientos de cámara son escasísimos, sólo realiza varios travellings porque los considera innecesarios, ya que el movimiento está determinado por la acción y por el montaje. Destaca la escena de la escalinata, con 170 planos, en la que el pueblo es brutalmente agredido por las fuerzas zaristas, donde crea un tempo artificial, que hace que la secuencia dure casi 6 minutos. Prescindirá de simbolismos intelectuales, y con una espléndida fotografía, en la que la masa se convertirá en la auténtica protagonista de la obra, acabará por ser considerada la primera obra maestra del cine soviético.

Tras esta gran película realizará dos trabajos más, Octubre, donde narra los sucesos del asalto al Palacio de Invierno durante la Revolución bolchevique de 1917, y La línea general (también conocida como Lo viejo y lo nuevo), film sobre la reforma agraria. En estas dos obras, volverá a experimentar con un nuevo lenguaje a través de las imágenes, pero por su complejidad no llegarán a ser muy bien comprendidas en su época.

Diez años después de su última obra, Eisenstein dirige Alexánder Nevski, que cuenta las andanzas de este héroe nacional ruso, que derrotó a los teutones en el siglo XIII. En ella vuelve a hacer gala de su maestría para el montaje. Su protagonista vuelve a ser una sola persona, no la masa, y desparece su vigoroso estilo documental para ser sustituido por una delicada reconstrucción de la historia.

Eisenstein sufrió una terrible hemorragia a causa de un infarto, y murió a los 50 años de edad, en Moscú, URSS, 11 de febrero de 1948.

Filmografía                                                                                                            

• El diario de Glúmov (1923)
• La huelga (1924)
• El acorazado Potemkin (1925)
• Octubre (1928)
• La línea general (1929)
• ¡Que viva México! (inacabada) (1930–1932)
• El prado de Bezhin (inacabada) (1935–1937)
• Alexánder Nevsky (1938)
• Iván el Terrible (1943–1945)
• Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948–1958)
• Iván el Terrible, tercera parte (inacabada)
• Romance sentimental (Francia, 1930)
• Trueno sobre México (1933)
• Eisenstein en México (1933)
• Día de muerte (1933)
• Tiempo en el sol (1940)

Bibliografía:  http://es.wikipedia.org/wiki/Serg%C3%A9i_Eisenstein

HAROLD CLAYTON LLOYD

Nació en Burchard, Nebraska; 20 de abril de 1893 – Beverly Hills, California; 8 de marzo de 1971) fue un actor estadounidense de cine, considerado uno de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte.

Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo cinematográfico. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Buster Keaton y Charlie Chaplin forma el "triunvirato" de grandes cómicos del cine mudo y, como ellos, su carrera continuó en el período sonoro.

En 1913 consigue entrar en los enormes estudios Universal Pictures disfrazado de figurante. Su actitud positiva, carisma y gran sentido del humor, le permiten entablar amistad con J. Farrel McDonald. McDonald era el director de His Heart, His Hand, His Sword (Su corazón, su mano, su espada), típico serial de la época que tenían mucho éxito entre el público. Lloyd participó en éste y otros trabajos de McDonald. En uno de aquellos rodajes se producirá uno de los encuentros más exitosos de la historia del cine: En 1914 Harold Lloyd conoce y entabla amistad con Hal Roach, y ambos, aunque no siempre en perfecta sintonía, trabajarían juntos durante una década.

En el verano de 1917 Harold crea un nuevo personaje: "El hombre de las gafas" que rompe el estilo cómico imperante. Lloyd aparecía en pantalla con un aspecto completamente normal, similar al hombre medio norteamericano; llevaba gafas de carey (muy de moda en aquel tiempo), sombrero de paja y aspecto juvenil. La clave del éxito no radicaba en el aspecto sino en las virtudes del personaje y su capacidad para superar, desde la sencillez, todos los obstáculos que se interponen en su camino. Éste personaje es optimista, valiente, perseverante, atlético y dinámico; sus historias se desarrollaban en la ciudad ya que el ritmo frenético de la urbe moderna es el que mejor se ajusta a su personalidad. Su éxito radicaba en ser el espejo del estilo de vida opulente de los Estados Unidos de los años veinte. Si Charlot era un personaje marginal inadaptado al mundo burgués, El chico de las gafas se encuentra perfectamente encajado en el sistema capitalista, luchando por el ascenso social usando siempre todas las armas que encuentra a su alrededor aunque siempre "jugando limpio". Si con Chaplin la crítica es frontal y abierta, Lloyd será más condescendiente aunque en su obra si se encuentran formas más sutiles de crítica.

Desde "Over the Fence" Lloyd nunca abandonó a su personaje. Su popularidad iba en aumento y en 1921, impulsado por el éxito de The Kid (El Chico) de Chaplin, Lloyd dio el salto a los largometrajes. Sus cortos de uno, dos o tres rollos ya no eran suficientes para el inquieto muchachito de Nebraska aunque entonces se creía que era difícil mantener a la audiencia interesada en una comedia por más de media hora. Roach consideraba que no era conveniente arriesgarse pero finalmente Lloyd se salió con la suya y en 1921 con A Sailor-Made Man (Marinero de Agua Dulce) hizo un mediometraje de 46 minutos de duración. El éxito fue tremendo.

Sus películas solían empezar con un ritmo moderadamente lento, donde 'El hombre de gafas' se ve enredado en algún asunto amoroso o un reto condenado al fracaso, luego iba de chiste en chiste, cada vez más rápido, para llegar a un final donde la velocidad y las piruetas hacen que el protagonista salga victorioso contra la adversidad. En unos pocos años el estilo propio de Lloyd se impone y populariza entre el público, un elemento tan importante para éstas películas, que Lloyd realizaba funciones especiales de sus filmes antes del estreno, y modificaba, añadía u omitía partes de la misma dependiendo de la actitud, aplausos, duración y frecuencia de las risas y carcajadas, aplausos y otros comportamientos de los espectadores.

Tras el éxito de Marinero de agua dulce llegan en 1922 Grandma's Boy (El Mimado de la Abuelita) y Dr. Jack. La primera es una parodia del drama rural muy popular e imitado "Tol´able David" (Dirigido en 1921 por Henry King), donde un apático y asustadizo jovencito sobreprotegido por su abuela saca fuerzas de flaqueza para enfrentarse contra su rival por el amor de la chica armado simplemente con el supuesto talismán que ayudó a su abuelo en la Guerra de Secesión. La idea original era hacer un drama serio sobre la superación de la cobardía. De hecho así se rodó originalmente para, a continuación, por presión de Roach, añadir las escenas cómicas. El resultado es una comedia plagada de excelentes gags con una trama muy bien elaborada. Tras ver la película, Chaplin envió un telegrama a Lloyd asegurándole que a partir de entonces tendría que mejorar muchísimo para estar a su altura dada la enorme calidad cómica del filme.

Con la llegada de la década de los treinta y los problemas sociales y políticos en todo el mundo, Lloyd y sus personajes optimistas ya no son los preferidos de un público que, con la llegada del cine sonoro, prefiere cómicos magos de la palabra, como W. C. Fields, Los Hermanos Marx, Mae West o Eddie Cantor. Para evitar el mismo destino que otros actores de cine mudo sufrieron con la nueva tecnología, Lloyd tomó clases de dicción y entrenamiento vocal, aunque llegó a afirmar que "No creo que el público quiera comedias habladas. Las películas y las artes habladas son dos artes distintos".

Welcome Danger (¡Qué fenómeno!) de 1929 se rodó como película muda. Cuando estaba prácticamente terminada, el gran éxito del cine sonoro hizo que Lloyd se decidiera a rehacer casi por completo la película, lo que disparó el costo de la producción a casi un millón de dólares. Welcome Danger fue estrenada el 12 de octubre de 1929, unas semanas antes del crack bursátil, fue un éxito en taquilla, debido a que la gente estaba ansiosa de oír hablar a Lloyd, sin embargo no fue tan rentable como algunas obras anteriores, en parte por la gran inversión realizada. En 1930 lanzó Feet First (¡Ay, que me caigo!) ya plenamente sonora, película con varias escenas de peripecias al mismo nivel de "Safety Last", pero no tuvo la misma acogida del público.

Harold Lloyd falleció en 1971 en Beverly Hills por un cáncer de próstata.

En 1970, en una de sus últimas apariciones públicas, Harold Lloyd afirmó que: "Mi humor nunca fue cruel o cínico. Simplemente agarraba la vida y le daba un codazo de diversión. Lo hacíamos de manera que todo el mundo lo entendiera, sin las barreras del lenguaje. Parece que también hemos conquistado las barreras del tiempo". "La risa es el sonido más hermoso del mundo" es otra de sus sentencias más conocidas.

Filmografía seleccionada

Cortos:

• Harold director de un cine (Luke's movie muddle) (1916)
• El chef (The chef / On the fire) (1919)
• No empujen (Don't shove) (1919)
• La niña y la niñera (His only father / The baby sitter and the girl) (1919)
• Hacia Broadway (Bumping into Broadway) (1919)
• De la mano a la boca (From hand to mouth) (1919)
• Aparición de fantasmas (Haunted spooks) (1920)
• Salgan y entren (Get out and get under) (1920)

Largometrajes mudos:

• Marinero de agua dulce (A Sailor-made man) (1921)
• El doctor Jack (Doctor Jack) (1922)
• El mimado de la abuelita (Grandma's Boy) (1922)
• El hombre mosca (Safety Last) (1923)
• ¡Venga alegría! (Why Worry?) (1923)
• El tenorio tímido (Girl Shy) (1924)
• Casado y con suegra (Hot water) (1924)
• El estudiante novato (The Freshman) (1925)
• El hermanito (The kid brother) (1927)
• Relámpago (Speedy) (1927)

Largometrajes sonoros:

• ¡Qué fenómeno! (Welcome Danger) (1929)
• ¡Ay, qué me caigo! (Feet First) (1930)
• Cinemanía (Movie crazy) (1932)
• La garra del gato (The Cat's Paw) (1934)
• La vía láctea (The Milky way) (1936)
• Professor Beware (Professor Beware) (1938)
• El pecado de Harold Diddlebock (Sin of Harold Diddlebock) (1947)
• El mundo de comedia de Harold Lloyd (Harold Lloyd´s World of Comedy)(1962)
• El lado divertido de la vida de Harold Lloyd (The Funny side of Life) (1963)

Bibliografía

• Harold Lloyd, An American Comedy. 1928. Autobiografía del actor
• The Third Genius. 1989. Documental sobre la vida y obra del actor
• Harold Lloyd: A bio-bibliography. Annette D'Agostino, 1994
• The Harold lloyd Encyclopedia. Annette D'Agostino, 2003

CHARLES CHAPLIN

Sir Charles Spencer Chaplin, nació en Londres, Inglaterra, Reino Unido el 16 de abril de 1889. Fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo.
Reconocido por su popular personaje Charlot, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Kid Auto Races at Venice (1914), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).
Fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith. Influenciado por el francés Max Linder, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses.
En sus últimas décadas, sus trabajos disminuyeron pero se lo pudo apreciar en La condesa de Hong Kong y Un rey en Nueva York. Casado en cuatro ocasiones, sus hijos Geraldine, Josephine y Sydney Chaplin también se dedicaron al espectáculo. En 1972 se le otorgó el premio Óscar Honorífico y en 1975 fue nombrado Sir por la reina Isabel II.
En 1907, a la edad de 18 años, ingresó a la compañía de mimos de Fred Karno. Debutó con ellos en la pieza de teatro El partido de fútbol, con Stan Laurel. En 1909 realizó una gira por París y en 1910 se embarcó con el grupo hacia América del Norte, donde actuaría con éxito en distintos teatros de Nueva York, Canadá y California. En 1912 se presentaron en Nueva York, Filadelfia, Chicago y Fall River.
En 1913 el cómico Mack Sennett observó una de sus actuaciones y lo contrató para la compañía Keystone Studios por 150 USD semanales. En 1914 realizó su debut cinematográfico en Ganándose el pan de Henry Lehrman, donde diseñó su personaje caracterizado con unos pantalones holgados, un saco estrecho, un par de zapatos grandes, un bastón y un sombrero.

Las técnicas de Chaplin al momento de recrear su papel en cine incluían la mímica y los gestos (denominado como comedia física o visual), ya que la mayoría de sus películas eran mudas.
En junio de 1917 se anunció que había firmado un contrato con la compañía First National, con la que debería realizar 8 películas en 18 meses por 1.075.000 USD respectivamente. Ahí dirigió el filme Vida de perro, de 1918, y al respecto comentó: «Mi primera película para la First National tenía un elemento satírico en su argumento. Establecía un paralelo entre la vida de un perro y la de un vagabundo». Luego, tuvo sus propios estudios, algo que le permitió trabajar con mayor tranquilidad y centrarse en la calidad de sus producciones
El circo (estrenada en enero de 1928), considerado como uno de los filmes más «trágicos» de su carrera y en el cual interpretó a un imprevisto artista circense enamorado de una mujer que ama a otro hombre, el equilibrista Rex. Según algunos críticos, este filme es el más completo de su obra pero La quimera del oro integra la lista de las 50 mejores películas de la historia del cine.

En Tiempos modernos se llevó a cabo su primera aparición sonora en cine y sobre esa transición comentó: “¿Hasta cuando me seguiré presentando como Charlot?...No lo sé. El cine sonoro avanza y si yo tuviera que representar un personaje hablado, debería modificar las características de Charlot.” Las producciones cinematográficas en las que actuaba contenían una severa crítica a la sociedad de aquel entonces con temáticas como la pobreza, la hipocresía, el desempleo, etc.

Chaplin en El circo (1928).

La película El gran dictador, de 1940, fue pensada por el propio cómico en 1937, aunque se estrenó años después durante la Segunda Guerra Mundial. Fue considerado un acto de desafío contra el nazismo. Su personaje ahí se llamó Adenoid Hynkel y fue inspirado en el dictador alemán Adolf Hitler, que había nacido cuatro días después que Chaplin. También se pudo apreciar a Jack Oakie, quien encarnó a Benzino Napoloni, realizando una parodia del italiano Benito Mussolini. También actuó su esposa, Paulette Goddard, y el filme fue señalado como un «acto de valentía» pero a su vez recibió muchas críticas. Fue nominado en cinco rubros durante la celebración de los premios Óscar. La película fue censurada en España, y se estrenó recién 36 años después, en 1976, cuando ya había fallecido Francisco Franco. Es destacable en el filme la escena del discurso que proclama un peluquero a quien confunden con el personaje de Chaplin
Tiempos modernos describió una temática basada en las pésimas condiciones en las que habitaban ciertas personas de aquella época, mientras que el discurso final de El gran dictador originó controversias.
Chaplin se negó a apoyar el esfuerzo realizado por el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, como lo había realizado en la contienda anterior. Su comedia de humor negro Monsieur Verdox, de 1947, mostró una seria crítica al capitalismo. Un rey en Nueva York, una de sus últimas producciones, satirizó la persecución política basado en el exilio que había tenido que realizar años antes.
En 1937 una campaña en contra del cómico lo imputó de haber plagiado en Tiempos modernos a René Clair en su película Para nosotros la libertad. Sobre Chaplin, Clair expresó: «Ese es un hombre que domina la historia del cine». En 1938 fue presionado para que no filmara El gran dictador y, con motivo de su estreno en 1940, el ministro de propaganda de Adolf Hitler, comentó: «Chaplin es un pequeño judío despreciable».
En 1942 los periódicos lo acusaron de comunista, y al año siguiente Joan Barry tuvo una hija y denunció al actor de no querer reconocer la paternidad de la misma. En 1944 el proceso iniciado por Barry se resolvió a favor de Chaplin. Por su parte, visitó a múltiples políticos como Winston Churchill en 1931 e incluso, conoció a Mahatma Gandhi y a Albert Einstein.
En 1947 el Comité de Actividades Antiamericanas comenzó a presionar a la fiscalía para que se deportara a Chaplin, «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América» -como se dijo-. A pesar de que fue llamado a testificar en varias ocasiones, él nunca se presentó y fue acusado por una asociación reaccionaria por escribirle una carta al pintor Pablo Picasso, también comunista
Chaplin redactó variadas partituras y canciones para sus películas, a pesar de que no fue reconocido por llevar a cabo ese trabajo. El tema «Sonrisa», que compuso para Tiempos modernos, fue muy popular en Reino Unido cuando fue interpretado por Nat King Cole en 1954 y por Celine Dion durante los obituarios en la 83º entrega de los premios Óscar de 2010, celebrada al año siguiente en Estados Unidos. Sus canciones, incluso, fueron cantadas por prestigiosos músicos como Michael Jackson o el mexicano José José. En la década de 1960, Petula Clark interpretó «Esta es mi canción», la cual había sido escrita para Una condesa de Hong Kong.
En 1972 obtuvo un premio Óscar como «Mejor música original» por Candilejas, el cual compartió con Raymon Rasch y Larry Russell.
La salud del anciano actor comenzó a disminuir desde mediados de la década de 1960, cuando finalizó la filmación de Una condesa de Hong Kong y, posteriormente, se le diagnosticó demencia senil (posiblemente relacionado a los problemas mentales de su madre), una enfermedad degenerativa que le causó diversas complicaciones visuales, motoras y de comunicación; también padecía asma. En sus últimos años, solía pasear con su esposa por las calles de Vevey en silla de ruedas y con un bastón sobre su mano, tal cual lo demostró la revista Gente en noviembre de 1977, cuando se realizó un informe titulado: «Chaplin hoy, a los 88 años». En septiembre de ese año presenció un espectáculo circense, conformándose así su anteúltima aparición pública.

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Falleció el 25 de diciembre de 1977 a los 88 años en su residencia Manoir de Ban, mientras dormía, a las 4 h (hora de Suiza). Se realizó una ceremonia íntima y fue inhumado en el cementerio del cantón de Vaud.
Su obra cinematográfica abarca un total de 81 películas oficiales realizadas entre 1914 y 1967. Durante sus primeros años en el cine se estableció como un ídolo en todo el mundo gracias a su conocido personaje de vagabundo.
En 1965, Chaplin estableció su filmografía oficial con la publicación de su libro, My Autobiography, esta consistió en 80 películas realizadas desde 1914. Se añadieron posteriores detalles a la misma en la biografía de 1985 de David Robinson, Chaplin: His Life and Art, que incluyó la última película de Chaplin, A Countess from Hong Kong (1967), como la entrada número 81 de a lista.
Todas las películas de Chaplin hasta e incluyendo El circo (1928) fueron mudas, aunque muchas se reeditaron con bandas sonoras. Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936) fueron esencialmente películas mudas, a pesar de que se hicieron con bandas sonoras que consistían en música y efectos de sonido, con secuencias habladas al final de la película. Las últimas cinco películas fueron habladas. Excepto A Countess from Hong Kong, todas sus películas fueron fotografiadas en blanco y negro en 35 mm.
Salvo que se mencione lo contrario en lo que hace a las referencias, las fechas de lanzamiento, los nombres de los personajes, y las notas que se presentan aquí, se derivan de la autobiografía de Chaplin, el libro de Robinson, y The Films of Charlie Chaplin (1965) de Gerald D. McDonald, Michael Conway y Mark Ricci.

Bbliografía
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Filmograf%C3%ADa_de_Charles_Chaplin
http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Chaplin